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Alfonse, Paul et les autres

Calais

« Alfonse, Paul et les autres, artiste solo au nom collectif, exploite le potentiel plastique de cette identité en tension. De la frontalité des images pornographiques d’Alfonse Dagada à la mièvrerie lénifiante des reproductions de chats de Paul Martin, du milieu underground à la société de consommation, cette œuvre fortement contrastée mobilise des imaginaires antagonistes, dont l’artiste cherche à révéler le même conformisme sous-jacent. En empruntant ses modèles aux représentations consensuelles trouvées sur Internet (les clichés érotiques, touristiques ou naturalistes), Alfonse, Paul et les autres met en question la façon dont le partage massif d’une imagerie synchronise les projections individuelles et annule l’expression de leurs singularités. » — Florian Gaité

Alfonse, Paul et les autres, a solo artist with the name of a collective art gang, uses the plastic potential of an uncertain identity. From Alfonse Dagada’s very crude porn pictures to Paul Martin’s cheesy pretty-pretty cats, from underground culture to consumer society, his work is full of contrasts and antagonistic worlds whose underlying conformism the artist equally tries to point and unveil. By using consensual representations browsed on the Internet (erotic, touristic and naturalistic shots), Alfonse, Paul et les autres questions the way a massive sharing of pictures both synchronizes individual projections, and annihilates the expression of singularities.

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Anadkat

Ruchi

Lille

Dans son travail, l’artiste questionne. Que reste-t-il de la performance une fois qu’elle est achevée ? Un support dessiné, un objet, une sculpture, une photographie, une vidéo, du son, toute une installation ? Que reste-t-il du corps dans les traces laissées ? Ces questions sont au coeur de ses actuelles préoccupations et ont trouvé leurs manifestations dans plusieurs de ses productions.
Artiste plasticienne et performeuse, Ruchi Anadkat est diplômée d’un Master en gravure à la Fine Arts M.S.U de Vadodara en 2007, et d’un DNSEP en 2009 à l’ESBA-Le Mans.

Ruchi Anadkat is a visual artist and performer, living in Lille. She works in France and India. Her research as an artist develops around the relationship between image and dance, a visual artist's perspective on dance and a dancer's look towards visual art.

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Deknudt

Martin

Dunkerque

Martin Deknudt est un jeune graphiste-hacker fraîchement diplômé d’école d’Art et de Design. Son travail s’oriente vers la question des outils numérique, de l’open source et de la culture libre. Il clôt ses quatre années d’études en présentant un travail de recherches et de production qui traite de réappropriation collective.
Partant du constat que nos outils numériques sont de plus en plus des boîtes noires, dont le fonctionnement nous est de plus en plus masqué, qui sont soumis à l’obsolescence programmée de leur fabricant et donc, régulièrement jetés. Il formule, lors de son DNSEP, un acte premier, en direction d’un design graphique conscient des enjeux actuels liés aux
nouveaux paradigmes du numérique. Engagé, il milite pour la démocratisation des moyens de productions et de créations ainsi que la libération des oeuvres de l’esprit. Son travail s’inscrit dans la ligné de l’esprit hacker et maker. Il fabrique ses outils de design graphique à partir de matériel abandonné, jeté, en panne, dont il récupère les composants en bon état
qui lui serve de base pour la fabrication d’outils de création graphique. Il fonde Make different, un laboratoire de recherches et de créations d’outils open hardware pour la création graphique. Il co-fonde, en 2019, avec Anaïs Vranesic, G R G, un studio de design graphique dans un garage.

Martin Deknudt is a young graphic designer-hacker freshly graduated from the School of Art and Design of Cambrai. His work is oriented towards the question of digital tools, open source and free culture. He concludes his four years of study by presenting a work of research and production that deals with collective reappropriation. He founded "Make different", a laboratory for research and creation of open hardware tools for graphic design and co-founded in 2019 with Anaïs Vranesic "G R G", a graphic design studio in a garage.

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Droubaix

David

Armentières

« L'art de David Droubaix vient à propos en cette ère de post-vérité, où les médias sont accusés de produire de faux messages et où les théories du complot abondent. Son travail explore les difficultés à discerner la croyance de l'incrédulité, la certitude du doute, la confiance de la suspicion, à distinguer le fait d'être sûr et celui d'être sceptique. » — Frank Lubbers

Diplômé en esthétique en 2009 de l’Université Charles-de- Gaulle de Lille et en 2012 de l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes Métropole, il vit et travaille en région lilloise. Il présente son travail en France et à l’étranger, lors d’expositions et de résidences notamment à Marfa (US) en 2011 et à Rome (IT) en 2015 avec le soutien de l’Institut Français - Centre Saint Louis.

“The art of David Droubaix is timely in this post-truth era, where news media are accused of producing fake messages and where conspiracy theories are abundant. His work explores the difficulties of discerning between belief and disbelief, between certainty and doubt, between confidence and suspicion, between being sure and being sceptical.” — Frank Lubbers

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Maillard

Aurélien

Boulogne-sur-mer

Comme autant d’anti-fétiches du monde industriel, les œuvres d’Aurélien Maillard dévoilent les liens de filiation qui unissent les objets de culte aux artefacts contemporains.
Dans une époque qui porte les marchandises au rang de reliques sacrées, elles substituent à ces processus de fétichisation ceux d’une réification sèche, d’une réduction de l’objet à l’état de substrat matériel. D’apparence simple et sobre, portant ostensiblement la marque de la main humaine, ces sculptures à double entrée nivellent le style classique des arts décoratifs et l’esthétique industrielle, l’artisanat religieux et la production manufacturée en vue de désamorcer la charge symbolique de leurs modèles.
Empruntant la voie d’un retour à la matière concrète, dans le sillage du constructivisme russe, du Bauhaus ou de la sculpture minimaliste américaine, le plasticien démystifie l’objet d’art au profit du handmade, rappelant l’oeuvre à son étymologie ouvrière. Ni objets sacrés, ni marchandises standardisées, les réalisations d’Aurélien Maillard contrarient ainsi les investissements symboliques attendus et font valoir une esthétique de l’ambivalence, située entre architecture iconoclaste et minimalisme punk.

Anti-fetishes of the industrial world. Such are Aurélien Maillard’s works, which unveil the relationship between cult objects and contemporary artefacts. At a time when goods are turned into sacred relics, the works substitute this “fetishistic” process for raw reification, and the reduction of the object to its material substrate. With their plain sober outlooks and their ostentatious marks of a human hand, these two-dimensional sculptures put on an equal footing the classical style of Decorative Arts, the industrial esthetic, religious art craft and manufactured production, so as to defuse the symbolical scope of their models. Reconnecting with actual and concrete sculpture, in the wake of Russian constructivism, Bauhaus as well as American minimalist sculpture, the artist demystifies the art object while opting for “handmade”. In so doing he brings the work back to its original meaning, namely “work”. Neither sacred objects, nor standardized goods, Aurélien Maillard’s works go against any expected symbolical interpretation. They emphasize an ambivalent esthetic in between iconoclastic architecture and “punk” minimalism.

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Marques

Fabien

Udine, IT

L’image photographique est au centre de la pratique de Fabien Marques. Ses travaux résultent d’un profond intérêt pour la beauté de l’ordinaire, l’esthétique du banal. Explorant des endroits qui n’attirent généralement pas l’attention, il opère entre les frontières indéfinies du document et de l’art en représentant le plus souvent un espace dépourvu de représentation humaine. Cette absence suggère la présence, créant un point de rencontre entre les forces expressives, techniques et sociales de l’image. Ses travaux sont souvent issus de recherches historiques, scientifiques et visuelles, et explorent le plus souvent des territoires marqués par des histoires invisibles.
Fabien Marques est diplômé de Glasgow School of Art et de l’Hogeschool Sint-Lukas de Bruxelles. Les œuvres de Fabien Marques ont été exposées dans de nombreux festivals et expositions, en France et à l’étranger.

The photographic image is central to the practice of Fabien Marques. His works are the result of an interest in the beauty of the ordinary, the banal aesthetics. Exploring places that do not attract attention, it operates between the undefined boundaries of the document and art representing most often an area without human figures. This absence suggests the presence, creating a meeting point between the expressive, technical and social force of an image. His works often stem from historical and scientific investigations and usually explore territories marked by invisible stories.

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Merland

Elodie

Dunkerque

Usant de divers protocoles afin de susciter la rencontre, par la dérive ou l’invitation, Élodie Merland à la recherche d’espaces de possibles afin d’en prendre possession pour un temps et offrir de nouvelles vues à contempler, pointer du doigt des détails et des anecdotes. Sa démarche, à l’allure parfois conceptualo-romantique, est une invitation à se confronter au réel. Le vrai. L’anodin, l’insignifiant, l’inintéressant, le dérisoire. Cela demande au·à la spectateur·trice d’être suffisamment attentif, de ressentir le temps, d’être à l’écoute du silence, d’accepter d’être dans l’attente. De manière poétique et non sans humour, par la photographie, la vidéo, le son, l’installation, la performance et notamment le texte au travers des langues, elle propose des écritures et puis des gestes. Les résultats prennent généralement la forme de traces, passages de vies ou preuves de création.

By using various experimental methods to spark meetings, drifting, inviting, Élodie Merland goes on the hunt for possible places to take possession for a certain moment in time and to offer these spaces a new vision for contemplation, pointing out details and anecdotes. Her approach sometimes has a conceptual-romantic appearance with an invitation to personally confront reality: the truth, the trivial, the insignificant, the uninteresting, the derisory. This requires the spectator to be attentive enough, to feel the time passing, to listen to the silence and to accept the waiting moment.
Poetically and not without humour, using photography, video, sound, installation, performance and especially text through the languages, she presents written works followed by gestures. The results usually take the form of traces, passages through life or evidence of creation.

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Ryke

Melissa

Lille

Melissa Ryke travaille entre la France et l’Australie. Elle développe une pratique expérimentale et hybride, travaillant la vidéo, le son, le texte, le dessin et l’installation. Associées à sa pratique, ses recherches portent sur la reconstruction de nos expériences à
travers l’image en mouvement et le son. Les œuvres de Melissa Ryke sont projetées et diffusées dans des institutions internationales telles que le Palais des Beaux-Arts de Lille, Seventh Gallery (Melbourne, AU), Metro Arts et Boxcopy (Brisbane, AU).
Melissa Ryke est également l’une des trois artistes du collectif Threefold avec Pirrin Francis (AU) et Hayley Brandon (UK/AU).

Melissa Ryke works between France and Australia. She develops an experimental and hybrid practice, working with video, sound, text, drawing and installation. Associated with her practice, her research focuses on the reconstruction of our experiences through the moving image and sound.

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Vranesic

Anaïs

Dunkerque

Anaïs Vranesic est une jeune graphiste tout droit sortie de deux écoles supérieures d'art et de design. Animée par la question du militantisme actuel, elle questionne l'image et la communication au travers de la lutte.
Le travail d'Anaïs Vranesic navigue entre engagement, éducation et recherches. Dans une esthétique à la fois brutale et poétique, elle est animée par l'univers de textures et d'images dans lequel baigne chacun de nos corps. Cet univers n'est qu'une pensée exhaustive d'un monde où le noir et blanc transforme la vision d'un monde saturé de couleurs, par la poésie des textures.
Elle crée en 2019 G R G avec Martin Deknudt.

Anaïs Vranesic is a young graphic designer freshly graduated from two schools of Art and Design. Driven by a deep interest in activism, she questions the image and communication roles. Vranesic’s work fuses between social engagement, education and research. She co-founded in 2019 with Martin Deknudt "G R G", a graphic design studio.

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Bray

Jacob

Folkestone

Jacob Bray est créateur et chorégraphe de théâtre et de danse contemporaine. Il s’intéresse aux questions d'autonomisation des femmes, la vie nocturne, l’égalité, sans restrictions de style ou de genre.

Jacob Bray is a contemporary dance theatre creator / choreographer. He completed an MA in Performance Dance the University of Chichester in 2015 and premiered his first work in London in 2016. His work incorporates elements of dance, theatre, comedy and speech. Bray is interested in female empowerment, nightlife, equality and not being held by restrictions of style or genre.

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Orme

Claire

Margate

Dans ses performances et installations, Claire Orme met à profit ses compétences de pianiste et de violoniste pour étudier les contours narratifs des espaces et des objets. Une grande partie de son travail est axée sur la recherche. Elle puise dans des archives et des entretiens pour nourrir son travail autour de l’histoire des zones rurales et urbaines.

Claire Orme is an artist, curator and musician. Specialising in performance and installation, Claire employs her skills as a pianist and violin player to investigate the narrative contours of spaces and objects. Much of Orme's work is research-led, utilising archive material and interviews to explore her interest in perhaps overlooked rural and urban histories.

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Poblete

Tomas

Folkestone

Tomas Poblete est un artiste, curateur et producteur. Il est l'initiateur de différents projets et plateformes curatoriales, tels que HOP Projects CT20, basée à Folkestone, où il est l'un des directeurs.

Tomas Poblete is an artist and independent curator. Pobete came to London in the late 90s from Chile to study sculpture – a journey which proved to be life-changing. Moving to Scotland at the tip of a creative curve to further pursue an MFA in Glasgow, he began to try his hand at putting on exhibitions.
Tomas has a curatorial vision and approach that juxtaposes high and low cultures, and brings his creative dynamism to the team at HPCT20 (Folkestone). In his own words, ‘we are on the edge of something that can be great and has promise to affect change in a sector often deemed exclusive. I would like to believe that what we are doing will to a small extent effect change in the way local communities perceive art.’

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Sanders

Edward

Folkestone

Edward Sanders est artiste et commissaire d’exposition. Dans sa pratique artistique, il crée des objets en utilisant du bois, de la peinture et des photographies. Néanmoins, il s’intéresse à éviter toute catégorisation dans le domaine de l’art. Il ne considère pas ses créations comme des œuvres d’art mais plutôt comme des objets appartenant au monde, une matière accessible à tou·tes et ouverte à l’interprétation.

Edward Sanders is interested in organising and curating exhibitions in the UK and Europe, organising two shows in Belgium in 2019 and Prague in 2020. The exhibitions create a space to exchange ideas between creative output and people, crossing literal and conceptual borders and welcoming the freedom to do so.

Sanders also creates objects using wood, paint and photographs. He is interested in the work attempting to avoid categorisation within the context of art and doesn’t see them as pieces of art but more objects that belong to the world as matter, accessible to all and open to interpretation.

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Scott

Dan

Margate

Artiste et musicien, Dan Scott travaille à Margate (UK). Dan Scott combine l’installation, la performance, les pratiques sonores et socialement engagées et a été exposé à la Tate Modern, le pavillon De La Warr, Turner Contemporary et à la biennale de Whistable. Il a récemment réalisé avec l’artiste Tom Adams un bateau-théâtre à partir d’un ancien bateau de pêche, qui fut déplacé dans la rue principale de la ville industrielle et portuaire de Stockton-on-Tees et repensé comme un lieu de discussion et de commémoration d’une communauté de pêcheurs disparue.

Dan Scott is an artist and musician based in Margate. He works across installation, erformance, sound and socially-engaged practice and has shared his work at Tate Modern, De La Warr Pavilion, Turner Contemporary and Whistable Bienalle. Recent work includes boat-house-theatre (made with Tom Adams) which involved creating a theatre from a fishing boat and placing it on the high street in Stockton-on-Tees as a site of discussion and remembrance for a vanished houseboat community, and This Is Our Garden In The Morning, a headphone piece made for Tate Britain. Dan has recently completed a practice-based PhD entitled The Listening Artist: On Listening As An Artistic Practice Beyond Sound Art, and also teaches at the Royal Central School of Speech and Drama.

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Shen-Poblete

Nina

Folkestone

Nina Shen-Poblete est designer et chercheuse en art et en architecture. La question du processus est une interrogation récurrente dans son travail. Elle s’intéresse à la théorie des matériaux et la philosophie des objets techniques pour étudier le processus de création en tant que fin en soi, façonnée par les structures culturelles et sociales en place.

Architect, curator, artist, and educator… It is difficult to categorise Nina Shen-Poblete’s practice and she traverses disciplinary boundaries to unlock hidden potential and motivate creativity. The ‘unknown’ and the ‘unexpected’ are critical parts of the process. Art is where one finds courage, and the force for progress.
Born in China and growing up in the UK, Nina Shen-Poblete is part of a generation that experiences rapid economic, social and cultural transitions and technological compression. Her multicultural and bilingual education gave her the skills to navigate through complex situations and facilitated an openness and empathy with the ‘other’.
Shen-Poblete co-founded HPCT20 to create an alternative space that frees creative practitioners from the limitations of working in isolation of specialist disciplines.

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Slingsby

Holly

Margate

Holly Slingsby travaille à Margate. Elle est diplômée de la Ruskin School of Drawing and Fine Art (Oxford) et de la Slade School of Art (Londres). Sa pratique s’inscrit principalement dans la performance et l’utilisation d’accessoires, de costumes et de vidéos. Son travail le plus récent explore le corps féminin en le confrontant à des mythes sur la fertilité et la médecine. Holly Slingsby réinvente la représentation de personnages mythiques en proposant, de manière ludique, d’incarner ces personnages comme une sorte d’invocation. Elle s’appuie pour cela sur une profusion d’images, historiques ou contemporaines, de l’art pour créer son propre langage visuel, irrévérencieux certes mais incitant néanmoins à la réflexion des spectateurs·trices.

Holly Slingsby’s practice centres on performance and uses props, costumes and video. Her most recent work explores the female body in relation to fertility myths and medicine.
Slingsby reinvents depictions of mythical and holy figures, playfully proposing embodiment of
these characters as a form of invocation. She draws on a wealth of art historical and
contemporary imagery to create her own irreverent yet thought-provoking visual language.
Holly Slingsby studied at the Ruskin School of Drawing and Fine Art, Oxford University (2003-2006) and the Slade School of Art, London (2008-2010).

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Trillo

Sara

Margate

Sara Trillo a d’abord suivi une formation en peinture et exposé au Royaume-Uni et en Europe. Aujourd’hui, son travail est principalement sculptural, bien qu’elle continue à développer de nouvelles techniques de peinture. Ses recherches les plus récentes l’ont poussé à enquêter sur les zones de marées. Sara Trillo visite de nombreux espaces concernés par le phénomène afin d’extraire et rassembler divers matériaux entraînés ou déversés par les flux et reflux de la mer et les utiliser ensuite pour créer des oeuvres sculpturales. Celles-ci retracent alors l’expédition entreprise par l’artiste pour se rendre sur les sites de ses extractions. Sara Trillo intègre également à ses oeuvres des liens avec les découvertes archéologiques et les récits mythologiques des sites visités.

Sara Trillo originally trained as a painter and exhibited widely in the UK and Europe. Two years ago, she became an Associate of Open School East in Margate, and this helped her refocus her practice and research, and consider other processes around making. Her work is now mostly sculptural in output, although she still deploys painting techniques, and she uses the tidal foreshore and submerged landscapes as an area of scrutiny. Recent projects have included funded residencies in Germany and Cyprus, using coastal sites there as a stimulus for production.

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Fructôse, implantée depuis 2008 dans le port industriel de Dunkerque, sur le môle 1, est une base de soutien aux artistes. L’association dispose d’ateliers de travail et de production, ainsi qu’un plateau scénique et un atelier d’impression.

La vocation de l’association est d’accompagner les artistes-auteur·e·s du champ des arts visuels s’inscrivant dans une démarche professionnelle. Pour cela, Fructôse accueille une vingtaine d’artistes associé·e·s, résident·e·s à l’année dans ses ateliers et bénéficiant d’un soutien dans leurs parcours professionnels. Elle œuvre également à la structuration du secteur et la reconnaissance du statut d’artiste-auteur·e.

Fructôse est une bulle effervescente, un espace de rencontres et de découvertes artistiques pour les artistes et le public. Elle développe un programme de résidences et accueille chaque année des artistes résidant sur le territoire régional, de France mais aussi de Belgique ou d’Angleterre. Elle organise des temps de rencontres entre les artistes et le public, contribuant au dynamisme culturel dunkerquois et la meilleure connaissance du travail de l’artiste et de la création contemporaine.

UK version below

Established since 2008 in the industrial harbour of Dunkirk, on mole 1, Fructôse is a support base for artists. The association has several workshops, a stage set and a print studio.

The purpose of the association is to support professional artists or those in the progress of becoming professionals in visual arts. Fructôse hosts twenty “artistes associé·es”, full-time residents in its workshops receiving support in their professional development. It also works to structure the arts sector and to recognize artists status.

Fructôse is a effervescent hub, a place for meetings and artistic discoveries for the artists and the audiences alike. Each year, it develops a residency program and welcomes artists from Hauts-de-France Region, as well as from the rest of France, Belgium or England.
It also organises meetings with artists and audiences, contributing to Dunkirk’s cultural dynamism and a better knowledge of the artists’ work and contemporary creation.

Talkie-Walkie Walkie-Talkie (4-7/07/2019), résidence transfrontalière initiée et organisée par Fructôse Dunkerque / a cross-border residency initiated and organised by Fructôse.

En partenariat avec la Ville de Dunkerque / in collaboration with the City of Dunkirk.

Direction artistique / artistic direction: Fabien Marques, Élodie Merland and Welchrome.

Avec les artistes / with the artists: Alfonse, Paul et les autres, Ruchi Anadkat, Jacob Bray, Martin Deknudt, David Droubaix, Aurélien Maillard, Fabien Marques, Elodie Merland, Claire Orme, Tomas Poblete, Melissa Ryke, Edward Sanders, Dan Scott, Nina Shen-Poblete, Holly Slingsby, Sara Trillo & Anaïs Vranesic.

Fructôse, La Fabrique
Rue du Magasin Général (rond point Schumann)
BP 34210 - 59378 Dunkerque Cedex

03.28.64.53.89
contact@fructosefructose.com